Quimera

Archive for the ‘arte contemporáneo’ Category

Fragmentos de una entrevista al pintor Tomás Sánchez

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Conocí a Tomás Sánchez casi dos años después de haber escrito mi tesis de Historia del Arte sobre uno de sus cuadros, Relación entre la laguna, la isla y la nube, que todavía hoy me sigue pareciendo uno de los hitos del arte cubano.
Tomás vivía en Miami por aquel entonces y me pidió por teléfono que lo entrevistara cuando hiciera lo que sería su primera visita a la Habana después de haber solicitado su residencia en los Estados Unidos. Improvisé lo mejor que pude mi rol como entrevistador, procurando que las preguntas fluyesen en la conversación. No fue una tarea nada difícil porque Tomás habla ininterrumpidamente, como si temiese a la posibilidad de una pausa. De ahí salió la entrevista, que se debe en gran medida al trabajo de la que era mi novia por aquellos años. Ella transcribió apresuradamente toda la conversación. Al final, fue preciso cotejar una docena de páginas manuscritas. La entrevista, realizada en diciembre de 1996, es mucho más larga y aquí sólo me limitaré a algunos fragmentos que, al cabo de los años, sigo encontrando interesantes.

E.M. ¿Sientes alguna afinidad con el arte que hacen los campesinos?

T.S. Cuando me muevo por el país buscando paisajistas -sobre todo cuando quería hacer la Fundación- me impresionó mucho la espontaneidad del paisajismo popular. La pintura de un campesino surge de forma muy desprejuiciada, sin grandes pretensiones intelectuales. Surge de la emoción que le produce la naturaleza. El campesino crea un paisaje con la misma espontaneidad con que compone una décima. Más aún, la música cubana es eminentemente paisajística. Es una descripción continua del paisaje. El campesino pinta o le canta a la naturaleza cubana. Yo trato de pintar el sentimiento que un paisaje inspira, pero con más conocimiento, hasta con un sentido filosófico.

E.M. ¿Realizas bocetos antes de trabajar en el lienzo?

T.S. Las ideas más interesantes me vienen siempre en horas pasivas. En Cuba, cuando esperaba la guagua. También en las consultas del dentista, del médico o cuando espero en el aeropuerto. Cada vez que se me ocurre una idea, la anoto rápidamente de una forma muy sintética, en un boleto, en un papelito, en cualquier cosa. A veces hago estudios en papel o -en tempera sobre papel- un estudio más detallado de la idea que desarrollaré en la tela.

E.M. La página en blanco impone silencio, dice Bachelard ¿ Qué experimentas ante un lienzo virgen, un lienzo sobre el que deberás trabajar?

T.S. El blanco me interesa mucho. Yo tengo un cuadro, La orilla y Dios. En él contrapongo el blanco a la orilla como un espacio lleno de formas, como el universo flotando en el Ser. En este caso Dios es la superficie de la tela, virgen, pura, y todo lo pintado en la franja de la orilla es su manifestación. El blanco y el espacio trabajado se complementan. La textura y el color son más intensos cuando se contraponen al blanco. Al mismo tiempo, éste deja de ser plano y adquiere cierta profundidad cuando aparece junto al espacio trabajado. Eso fue también lo que quise hacer en el dibujo que ganó el Miró.
En Siddha Yoga hay una meditación que te hace repetir , por ejemplo, “Yo soy Tomás”. Lo repites y te pones a meditar en eso, en tus cualidades. Y de pronto comienzas a reducir el concepto y a quitar atributos, hasta llegar simplemente al “Yo Soy”, al Ser sin atributos.
Cuando veo el blanco, no puedo dejar de pensar en el Ser. Hay un concepto en la filosofía oriental de que, en un principio, existe el Ser, e implícito con éste, está el akasha, o sea, el universo en potencialidad. Hay pintores que se aterrorizan ante el espacio en blanco. Yo siento que ese espacio impone respeto. No han faltado momentos en que he sentido que ese espacio no debo ni mancharlo. No obstante, el hombre está hecho a imagen y semejanza de Dios (para hablar en términos cristianos), y por tanto, él también es un creador. Entonces surge el deseo de crear mi propio mundo interior en el espacio en blanco.

Written by ernesto

julio 19, 2008 at 9:42 pm

Laboratorio-Aglutinador en Art in America

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Hace unos días recibí este correo electrónico de Sandra Ceballos. Trataré de consultar la revista y ampliar la información. Muchas felicidades para todos los que participan en Laboratorio-Aglutinador.
Aquí la nota de Sandra:

QUERIDOS AMIGOS ME ALEGRA MUCHO EL PODER DARLES UNA BUENA NOTICIA:

AGLUTINADOR-LABORATORIO FUE SELECCIONADO DENTRO DE LAS 100 MEJORES GALERÍAS DEL MUNDO.
LA INFORMACIÓN COMPLETA LA PUEDEN ENCONTRAR EN LA REVISTA ART IN AMÉRICA DEL MES DE MARZO.

ABRAZOS
SANDRA CEBALLOS

Written by ernesto

julio 19, 2008 at 7:16 pm

Curadores Go-Home

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Me gusta (mucho) esta figura de No-Curadora que trata de introducir Sandra Ceballos. A primera vista hay que tropezar con una paradoja: Suprimir el criterio del curador es, en sí mismo, un gesto de curadoría. Podría hasta irse un poco más lejos y decir que el acto de eliminar la curadoría se convierte en la obra de arte. El NO-Curador es un artista y su gesto tal vez tenga algo de irrepetible. No es tan sencillo desembarazarse de la figura del curador: tendrá que aparecer de algún modo en la forma de agrupar las piezas, incluso si se opta por asociarlas de manera enteramente azarosa. Hasta donde sé esta propuesta no tiene precedentes. Me atrevo a vaticinar que el espacio de Laboratorio-Aglutinador no será suficiente para alojar todas las obras que se reciban. Una nueva fiesta de Sandra Ceballos y desde ahora yo mismo trato de pensar en cómo contribuir. Nunca antes mejor dicho eso de Laboratorio-Aglutinador.

¡¡ CURADORES GO HOME !! ¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡NEW EXHIBICIÓN, YES !!!!!!!!!!!!!!!!! lugar: Aglutinador-LABORATORIOcuraduría: TODOS los que decidan participar
montaje: Anthony Lester
foto-documentación: Natalia Triana
idea original: Sandra Ceballos
medios: pintura, vídeo, fotografía, foto-proyección, vídeo, escultura, dibujo, vídeo, serigrafía o grabado, sonido, vídeo, música etc, ah y vídeo.
PARA TODOS LOS QUE QUIERAN PARTICIPAR ESTE SERÁ EL MÉTODO A SEGUIR:

1- LLAMAR A SANDRA CEBALLOS (la NO curadora de este show) AL 8302147 (es probable que les digan, repita de nuevo, y ustedes repiten de nuevo) PARA REALIZAR EL PRIMER CONTACTO O TAMBIÉN PUEDEN HACERLO POR EMAIL.

2- PARA PARTICIPAR EN ESTA MUESTRA USTED NO TIENE QUE SER, NECESARIAMENTE, LO QUE SE DICE UN ARTISTA, AUNQUE TAMBIÉN PODRÍA SER UN ARTISTA; NO TIENE QUE ESTAR GRADUADO O ACTUALMENTE ESTUDIANDO EN EL ISA O EN SAN ALEJANDRO, MAS, PUEDE ESTAR GRADUADO O SER ALUMNO DEL ISA O DE SAN ALEJANDRO; NO TIENE QUE SER UN JOVEN ARTISTA PODRÍA SER UN VIEJO ARTISTA, PERO, PERFECTAMENTE PUDIERA SER UN JOVEN ARTISTA.

3- USTED TENDRÁ ABSOLUTA LIBERTAD PARA SELECCIONAR A UN OTRAS PERSONAS QUE CONSIDERE QUE DEBEN PARTICIPAR Y SI DECIDE INTERVENIR USTED MISMO DEBERÁ AUTO-SELECCIONARSE. PRESENTARÁ UNA PIEZA DE SU PRODUCCIÓN O PUDIERA HACERLA PARA ESTE EVENTO. POSTERIORMENTE REFERIRÁ POR ESCRITO (en un párrafo) POR QUÉ LA ESCOGIÓ O HIZO ÉSTA.

4- USTED MISMO ESCOGERÁ EL LUGAR DONDE PRESENTARÁ SU TRABAJO, DENTRO DE LOS LÍMITES DE aglutinador-LABORATORIO.

5- Y POR ÚLTIMO RESPONDERÁ POR ESCRITO LA SIGUIENTE PREGUNTA: ¿POR QUÉ SE AUTO-SELECCIONÓ?

6- TODOS LOS TEXTOS DEBEN SER CORTOS, SE HARÁ UNA RECOPILACIÓN DE TODOS ELLOS Y FORMARÁN PARTE DEL DOCUMENTO DE PRESENTACIÓN PARA EL CATÁLOGO-MULTIMEDIA CON UNA IMAGEN DEL TRABAJO QUE EXHIBIRÁ. FECHAS PARA COMENZAR: YA MISMO FECHAS PARA LA MUESTRA: TODAVÍA, DESPUÉS, MÁS ADELANTE.

Written by ernesto

julio 18, 2008 at 7:57 pm

Kitsch Hermético

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Flavio Garciandía, El lago de los cisnes, dimensiones variables, Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana, 1986.

La irrupción de la estética kitsch en el arte cubano de la primera mitad de los ochenta, coincidió con la introducción de contenidos banales en la obra de arte. Una crítica cultural contra la grandilocuencia del arte social y didáctico de la década anterior. A la vez, era una ruptura con el oficio de pintar y los soportes tradicionales de la pintura y la escultura, que en el caso cubano tenían una imporatancia desmedida todavía a inicios de los ochenta. La apropiación del kitsch se correspondió con usos menos convencionales del espacio de la galería y con el abandono de los marcos y técnicas en las que tendían a encerrarse las artes visuales cubanas (Mosquera, 1993, 108, 115, 137)
El socialismo aspiraba a imponer una cultura humanista en la que el kitsch estaba fuera de lugar. Para los estetas marxistas de Europa del Este, cuyas teorías se inculcaban en las publicaciones y los centros de enseñanza cubanos, la persistencia del kitsch solía interpretarse como un rezago del pasado burgués. La cultura de masas, en la que el kitsch es uno de sus ingredientes más activos, era uno de los flancos de la estética marxista contra el capitalismo. Como escribió el esteta búlgaro Iván Slavov:
[…] en el capitalismo el kitsch es un rasgo preponderante de la ‘cultura de masas’ y hasta, en parte, del vanguardismo. En nuestra sociedad (socialista) él es persona “non grata” (244)

En tal sentido la apropiación del kitsch con propósitos artísticos era irreverente. Más aún cuando las intenciones que se ocultaban detrás del uso de esta imaginería no estaban en modo alguno definidas. El kitsch, en apariencia demasiado obvio, irrumpió en las galerías con una ambigüedad casi hermética. ¿Qué perseguían los artistas? ¿Parodiar? ¿Criticar el mal gusto imperante? ¿Celebrar una estética que, pese a sus soluciones simplonas y edulcoradas, suele estar provista de ingenuidad, alegría y desenfado? ¿Ampliar los horizontes formales del arte y renovarlo con la inclusión de las usualmente excluidas “formas malas”? ¿Poner al día el arte cubano? ¿Volver los ojos hacia las ornamentaciones que aderezan la vida cotidiana de las clases trabajadoras? ¿Educar al espectador? Los propios artistas no parecían muy seguros a la hora de referirse a la inclusión de ornamentaciones muy simples, colores estridentes, grafías torpes y expresiones banales en sus creaciones. A comienzos de los ochenta, las imágenes que apelaban a lo cursi, tenían mucho de aquello que, según Adorno, constituye la verdad de lo nuevo; es decir, la falta de intencionalidad . Las manifestaciones del kitsch, en el espacio de las galerías, parecían quedar en suspenso, en busca de sentidos que lograsen sujetarlas. Los cisnes, las chinerías, los floripondios y las figuritas de yeso no eran para nada transparentes a la hora de entrar en el espacio del arte. La apropiación del kitsch, aunque no necesariamente fuese percibida como tal, era crítica en el sentido en que define Adorno el carácter social del arte: “Lo que es social en el arte es su movimiento intrínseco contra la sociedad, no sus declaraciones manifiestas…Hasta el punto de que si una función social puede atribuírsele al arte es precisamente su inutilidad” (1970, 336)

Written by ernesto

junio 25, 2008 at 9:40 pm

¿Exposición de arte subcoreano en Cuba? La censura …(I)

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El Punto del Compás
-arte contemporáneo coreano-

curaduría: YU YEON KIM
organización y montaje: Sandra Ceballos
sponsors: Korea Foundation

martes 17 de junio, 8:00PM (hasta el 20 de junio)

aglutinador-laboratorio calle 6 No 602 esquina a 25, Vedado.

Este era el correo electrónico que envió Sandra Ceballos para promocionar la muestra El punto del compás, que como se puede ver sólo iba a durar tres días. Ademas, lo hizo acompañar de estas dos imágenes.

Written by ernesto

junio 18, 2008 at 6:55 am

Absolute Naked Fragance

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John McCracken, Absolute Naked Fragance, 1967, contrachapado, fibras de cristal y resina, MoMA, New York.

Un color es, o puede ser, un acertijo. Ante Absolute Naked Fragance de John McCracken me habría gustado tener conmigo unos tubos de acrílico, unos pinceles y una paleta. Habria ensayado algunas mezclas de color hasta dar con el pigmento que más se aproximara al de la imagen. Este habría sido un ejercicio como los que solía hacer durante los años en los que estudiaba pintura en la escuela de Bellas Artes. Ahora, a simple vista, sólo podía pensar en algunas combinaciones cromáticas que no pasaban de ser meras conjeturas. El color plano sobre la superficie lisa y brillante de Absolute Naked Fragance me pareció un matiz peculiar. Revisé otras pinturas y collages que se encontraban en el mismo piso del museo. En ninguna de ellas creí reconocer un pigmento como el de Absolute Naked Fragance. Un color rosado que, aunque luminoso, no es estridente; sino mas bien sobrio y apacible. Un color enrarecido y agradable a la vista, como mismo, en el ámbito del olfato, un perfume es un olor extraño y placentero. Y del mismo modo que un perfume puede recordar el aroma de una flor o evocar un ambiente sensual, John McCracken logró dar con un matiz semejante al del pétalo de una rosa y que, al mismo tiempo, podría asociarse a la rosácea humedad de una vagina.

Written by ernesto

junio 14, 2008 at 4:55 am

Adam Matta (I) Song for Kimba

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Joseph Beuys.¿Cómo explicarle imágenes a una liebre muerta? (1965)

Adam Matta se sirve de sus destrezas como músico y las incorpora en performances que más bien tienen que ver con las artes visuales. Me gustan sus referencias a obras cruciales del arte contemporáneo, de las que parece burlarse y a la vez homenajearlas. Sus citas subvierten por completo el sentido de lo citado. Cabría comparar su Song for Kimba con el Joseph Beuys de ¿Cómo explicarle imágenes a una liebre muerta?
En 1965, Beuys se presentó en una galería de Dusseldorf, con la cabeza cubierta de miel y láminas de oro–explotando irónicamente el contenido simbólico de la sustancia y del color dorado-, un pie atado a un trozo de hierro y una liebre muerta en sus brazos. Beuys se detuvo ante las obras expuestas y le explicó las piezas al inerte animal.
Song for Kimba, de Adam Matta parece estar en el otro extremo de ¿Cómo explicarle imágenes a una liebre muerta?

Written by ernesto

junio 11, 2008 at 9:21 pm