Quimera

Archive for the ‘arte cubano’ Category

Dos bromas de Raúl Martínez (actualizado)

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En abril colgué una de mis primeras entradas, titulada Dos bromas de Raúl Martínez. Hace unos días recibí un correo electrónico de Michael Casey, quien actualmente concluye su libro Che Afterlife (una historia de la célebre foto de Korda), que será publicado por Vintage Books. Le agradezco mucho sus observaciones y su esfuerzo por establecer si las interpretaciones que hice se corresponden con las intenciones que tuvo Raúl Martínez.
A riesgo de hacer una entrada muy larga, decidí traducir algunos fragmentos de los correos electrónicos que nos hemos escrito durante esta semana.
Muchas gracias, Michael. Espero con ansiedad su próximo libro. Estoy seguro, a priori, de que usted ha realizado un acucioso y fascinante estudio.

I
De Michael Casey
Estoy casi convencido que esa pintura, que está colgada en el Museo de Bellas Artes bajo el nombre de “Fenix, 1968” no fue pintada en ese año; sino durante o antes de Mayo de 1967. Existe una foto de Martínez sentado frente a esa misma pintura en octubre de 1967, publicada en la revista francesa de crítica de arte Opus Internacional. Una edición que le dedicó un largo artículo sobre el Salón de Mayo en la Habana, en octubre de 1967, que se celebró cinco meses antes de que la revista fuera publicada. En dos ensayos de la revista, Alain Jouffroy y Gerard Talabot-Gassiot comentaron extensamente sobre las imágenes del Che de Martínez. Ahora bien, Che no estaba muerto por aquellas fechas. Así que difícilmente uno podría llamar Fenix a la pintura. ¿Fue su nombre cambiado posteriormente para convertirla retroactivamente en un homenaje al martirizado Guerrillero Heroico?,¿Y por quién?, ¿El museo? ¿El gobierno? (o se trata sólo de un error no malintencionado: las fechas de las obras de arte muy a menudo son inexactas).
Una vez que advertí este enredo con las fechas, podrías imaginarte mi disfrute al descubrir que el propio Raúl Martínez pudo ser el que se riera por última vez. Mientras el gobierno distorsionaba el icono para hacer su propaganda, él hacía exactamente lo mismo sin que ellos se dieran por enterados. Después de haber leído tu excelente descripción de algunas pistas en Isla 70 y las que han hecho otros investigadores sobre esta pintura, estoy convencido de que tu análisis de Che América es correcto y Martínez se propuso que aquellos que lo supieran leyeran Chea Marica. Mi pregunta es: ¿Eres tú el único que ha descubierto esto o es algo perfectamente conocido entre los círculos artísticos cubanos? ¿Podrías señalarme a alguien que haya hecho los mismos análisis?. Tengo pensado incluir tu blog en mi libro, pero me gustaría ver cuánto se ha propagado este chiste “oculto”.
II
Mi respuesta:
Hasta donde tengo referencias, nadie conoce de esta broma. El chiste me fue revelado por el pintor Humberto Castro, así que es probable que algunos artistas estén al tanto de estas alusiones. Visité el Museo Nacional de Bellas Artes en el invierno del 2006. Invité a un historiador del arte que había conocido a Raúl Martínez desde los años 50. El no tenía la menor idea de las alusiones que aparecen en el cuadro Isla 70 y quedó muy sorprendido al advertir todos esos detalles (además estuvo de acuerdo en que el retrato de Reinaldo Arenas es el que aparece junto al autorretrato de Martínez). Pero si mi amigo no conocía estas alusiones, posiblemente casi nadie las conozca.
III
Un nuevo correo de Michael Casey:
Acabo de hablar con B. Lamento tener que decirlo; pero él descartó completamente la idea de Chea Marica (…) El dijo que de ninguna manera Martínez habría puesto una referencia tan provocativa sobre una figura latinoamericana tan importante como el Ché. B. Confirmó la interpretación de Isla 70 y hasta añadió que está “lleno de penes”.
De todas maneras yo aún pretendo incluir tu blog en mi libro. Después de todo es una interpretación tan válida como cualquier crítica de arte. Además, es otra maravillosa historia de las que he reunido sobre los giros y torsiones relacionadas con el icono Ché.
Por cierto, si asumimos que Ché América fue efectivamente pintado en Mayo de 1967, como indican las fotos de la revista, ésta posiblemente la primera representación artística de la imagen del Ché. En otras palabras, el comienzo de una larga, colorida, y controversial historia de esas reproducciones. No estamos hablando sólo de una obra de arte en particular. Es LA PRIMERA, la que lo inició todo. Sería maravilloso pensar que esa obra tan importante contenía una broma oculta.
IV
Mi respuesta:
Si B afirma que no fue la intención de Martínez, estoy casi seguro de que es como él dice. Creo que él no tendría miedo de admitir tal cosa.

Written by ernesto

julio 26, 2008 at 5:15 pm

Fragmentos de una entrevista al pintor Tomás Sánchez

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Conocí a Tomás Sánchez casi dos años después de haber escrito mi tesis de Historia del Arte sobre uno de sus cuadros, Relación entre la laguna, la isla y la nube, que todavía hoy me sigue pareciendo uno de los hitos del arte cubano.
Tomás vivía en Miami por aquel entonces y me pidió por teléfono que lo entrevistara cuando hiciera lo que sería su primera visita a la Habana después de haber solicitado su residencia en los Estados Unidos. Improvisé lo mejor que pude mi rol como entrevistador, procurando que las preguntas fluyesen en la conversación. No fue una tarea nada difícil porque Tomás habla ininterrumpidamente, como si temiese a la posibilidad de una pausa. De ahí salió la entrevista, que se debe en gran medida al trabajo de la que era mi novia por aquellos años. Ella transcribió apresuradamente toda la conversación. Al final, fue preciso cotejar una docena de páginas manuscritas. La entrevista, realizada en diciembre de 1996, es mucho más larga y aquí sólo me limitaré a algunos fragmentos que, al cabo de los años, sigo encontrando interesantes.

E.M. ¿Sientes alguna afinidad con el arte que hacen los campesinos?

T.S. Cuando me muevo por el país buscando paisajistas -sobre todo cuando quería hacer la Fundación- me impresionó mucho la espontaneidad del paisajismo popular. La pintura de un campesino surge de forma muy desprejuiciada, sin grandes pretensiones intelectuales. Surge de la emoción que le produce la naturaleza. El campesino crea un paisaje con la misma espontaneidad con que compone una décima. Más aún, la música cubana es eminentemente paisajística. Es una descripción continua del paisaje. El campesino pinta o le canta a la naturaleza cubana. Yo trato de pintar el sentimiento que un paisaje inspira, pero con más conocimiento, hasta con un sentido filosófico.

E.M. ¿Realizas bocetos antes de trabajar en el lienzo?

T.S. Las ideas más interesantes me vienen siempre en horas pasivas. En Cuba, cuando esperaba la guagua. También en las consultas del dentista, del médico o cuando espero en el aeropuerto. Cada vez que se me ocurre una idea, la anoto rápidamente de una forma muy sintética, en un boleto, en un papelito, en cualquier cosa. A veces hago estudios en papel o -en tempera sobre papel- un estudio más detallado de la idea que desarrollaré en la tela.

E.M. La página en blanco impone silencio, dice Bachelard ¿ Qué experimentas ante un lienzo virgen, un lienzo sobre el que deberás trabajar?

T.S. El blanco me interesa mucho. Yo tengo un cuadro, La orilla y Dios. En él contrapongo el blanco a la orilla como un espacio lleno de formas, como el universo flotando en el Ser. En este caso Dios es la superficie de la tela, virgen, pura, y todo lo pintado en la franja de la orilla es su manifestación. El blanco y el espacio trabajado se complementan. La textura y el color son más intensos cuando se contraponen al blanco. Al mismo tiempo, éste deja de ser plano y adquiere cierta profundidad cuando aparece junto al espacio trabajado. Eso fue también lo que quise hacer en el dibujo que ganó el Miró.
En Siddha Yoga hay una meditación que te hace repetir , por ejemplo, “Yo soy Tomás”. Lo repites y te pones a meditar en eso, en tus cualidades. Y de pronto comienzas a reducir el concepto y a quitar atributos, hasta llegar simplemente al “Yo Soy”, al Ser sin atributos.
Cuando veo el blanco, no puedo dejar de pensar en el Ser. Hay un concepto en la filosofía oriental de que, en un principio, existe el Ser, e implícito con éste, está el akasha, o sea, el universo en potencialidad. Hay pintores que se aterrorizan ante el espacio en blanco. Yo siento que ese espacio impone respeto. No han faltado momentos en que he sentido que ese espacio no debo ni mancharlo. No obstante, el hombre está hecho a imagen y semejanza de Dios (para hablar en términos cristianos), y por tanto, él también es un creador. Entonces surge el deseo de crear mi propio mundo interior en el espacio en blanco.

Written by ernesto

julio 19, 2008 at 9:42 pm

Laboratorio-Aglutinador en Art in America

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Hace unos días recibí este correo electrónico de Sandra Ceballos. Trataré de consultar la revista y ampliar la información. Muchas felicidades para todos los que participan en Laboratorio-Aglutinador.
Aquí la nota de Sandra:

QUERIDOS AMIGOS ME ALEGRA MUCHO EL PODER DARLES UNA BUENA NOTICIA:

AGLUTINADOR-LABORATORIO FUE SELECCIONADO DENTRO DE LAS 100 MEJORES GALERÍAS DEL MUNDO.
LA INFORMACIÓN COMPLETA LA PUEDEN ENCONTRAR EN LA REVISTA ART IN AMÉRICA DEL MES DE MARZO.

ABRAZOS
SANDRA CEBALLOS

Written by ernesto

julio 19, 2008 at 7:16 pm

Curadores Go-Home

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Me gusta (mucho) esta figura de No-Curadora que trata de introducir Sandra Ceballos. A primera vista hay que tropezar con una paradoja: Suprimir el criterio del curador es, en sí mismo, un gesto de curadoría. Podría hasta irse un poco más lejos y decir que el acto de eliminar la curadoría se convierte en la obra de arte. El NO-Curador es un artista y su gesto tal vez tenga algo de irrepetible. No es tan sencillo desembarazarse de la figura del curador: tendrá que aparecer de algún modo en la forma de agrupar las piezas, incluso si se opta por asociarlas de manera enteramente azarosa. Hasta donde sé esta propuesta no tiene precedentes. Me atrevo a vaticinar que el espacio de Laboratorio-Aglutinador no será suficiente para alojar todas las obras que se reciban. Una nueva fiesta de Sandra Ceballos y desde ahora yo mismo trato de pensar en cómo contribuir. Nunca antes mejor dicho eso de Laboratorio-Aglutinador.

¡¡ CURADORES GO HOME !! ¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡NEW EXHIBICIÓN, YES !!!!!!!!!!!!!!!!! lugar: Aglutinador-LABORATORIOcuraduría: TODOS los que decidan participar
montaje: Anthony Lester
foto-documentación: Natalia Triana
idea original: Sandra Ceballos
medios: pintura, vídeo, fotografía, foto-proyección, vídeo, escultura, dibujo, vídeo, serigrafía o grabado, sonido, vídeo, música etc, ah y vídeo.
PARA TODOS LOS QUE QUIERAN PARTICIPAR ESTE SERÁ EL MÉTODO A SEGUIR:

1- LLAMAR A SANDRA CEBALLOS (la NO curadora de este show) AL 8302147 (es probable que les digan, repita de nuevo, y ustedes repiten de nuevo) PARA REALIZAR EL PRIMER CONTACTO O TAMBIÉN PUEDEN HACERLO POR EMAIL.

2- PARA PARTICIPAR EN ESTA MUESTRA USTED NO TIENE QUE SER, NECESARIAMENTE, LO QUE SE DICE UN ARTISTA, AUNQUE TAMBIÉN PODRÍA SER UN ARTISTA; NO TIENE QUE ESTAR GRADUADO O ACTUALMENTE ESTUDIANDO EN EL ISA O EN SAN ALEJANDRO, MAS, PUEDE ESTAR GRADUADO O SER ALUMNO DEL ISA O DE SAN ALEJANDRO; NO TIENE QUE SER UN JOVEN ARTISTA PODRÍA SER UN VIEJO ARTISTA, PERO, PERFECTAMENTE PUDIERA SER UN JOVEN ARTISTA.

3- USTED TENDRÁ ABSOLUTA LIBERTAD PARA SELECCIONAR A UN OTRAS PERSONAS QUE CONSIDERE QUE DEBEN PARTICIPAR Y SI DECIDE INTERVENIR USTED MISMO DEBERÁ AUTO-SELECCIONARSE. PRESENTARÁ UNA PIEZA DE SU PRODUCCIÓN O PUDIERA HACERLA PARA ESTE EVENTO. POSTERIORMENTE REFERIRÁ POR ESCRITO (en un párrafo) POR QUÉ LA ESCOGIÓ O HIZO ÉSTA.

4- USTED MISMO ESCOGERÁ EL LUGAR DONDE PRESENTARÁ SU TRABAJO, DENTRO DE LOS LÍMITES DE aglutinador-LABORATORIO.

5- Y POR ÚLTIMO RESPONDERÁ POR ESCRITO LA SIGUIENTE PREGUNTA: ¿POR QUÉ SE AUTO-SELECCIONÓ?

6- TODOS LOS TEXTOS DEBEN SER CORTOS, SE HARÁ UNA RECOPILACIÓN DE TODOS ELLOS Y FORMARÁN PARTE DEL DOCUMENTO DE PRESENTACIÓN PARA EL CATÁLOGO-MULTIMEDIA CON UNA IMAGEN DEL TRABAJO QUE EXHIBIRÁ. FECHAS PARA COMENZAR: YA MISMO FECHAS PARA LA MUESTRA: TODAVÍA, DESPUÉS, MÁS ADELANTE.

Written by ernesto

julio 18, 2008 at 7:57 pm

Kitsch Hermético

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Flavio Garciandía, El lago de los cisnes, dimensiones variables, Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana, 1986.

La irrupción de la estética kitsch en el arte cubano de la primera mitad de los ochenta, coincidió con la introducción de contenidos banales en la obra de arte. Una crítica cultural contra la grandilocuencia del arte social y didáctico de la década anterior. A la vez, era una ruptura con el oficio de pintar y los soportes tradicionales de la pintura y la escultura, que en el caso cubano tenían una imporatancia desmedida todavía a inicios de los ochenta. La apropiación del kitsch se correspondió con usos menos convencionales del espacio de la galería y con el abandono de los marcos y técnicas en las que tendían a encerrarse las artes visuales cubanas (Mosquera, 1993, 108, 115, 137)
El socialismo aspiraba a imponer una cultura humanista en la que el kitsch estaba fuera de lugar. Para los estetas marxistas de Europa del Este, cuyas teorías se inculcaban en las publicaciones y los centros de enseñanza cubanos, la persistencia del kitsch solía interpretarse como un rezago del pasado burgués. La cultura de masas, en la que el kitsch es uno de sus ingredientes más activos, era uno de los flancos de la estética marxista contra el capitalismo. Como escribió el esteta búlgaro Iván Slavov:
[…] en el capitalismo el kitsch es un rasgo preponderante de la ‘cultura de masas’ y hasta, en parte, del vanguardismo. En nuestra sociedad (socialista) él es persona “non grata” (244)

En tal sentido la apropiación del kitsch con propósitos artísticos era irreverente. Más aún cuando las intenciones que se ocultaban detrás del uso de esta imaginería no estaban en modo alguno definidas. El kitsch, en apariencia demasiado obvio, irrumpió en las galerías con una ambigüedad casi hermética. ¿Qué perseguían los artistas? ¿Parodiar? ¿Criticar el mal gusto imperante? ¿Celebrar una estética que, pese a sus soluciones simplonas y edulcoradas, suele estar provista de ingenuidad, alegría y desenfado? ¿Ampliar los horizontes formales del arte y renovarlo con la inclusión de las usualmente excluidas “formas malas”? ¿Poner al día el arte cubano? ¿Volver los ojos hacia las ornamentaciones que aderezan la vida cotidiana de las clases trabajadoras? ¿Educar al espectador? Los propios artistas no parecían muy seguros a la hora de referirse a la inclusión de ornamentaciones muy simples, colores estridentes, grafías torpes y expresiones banales en sus creaciones. A comienzos de los ochenta, las imágenes que apelaban a lo cursi, tenían mucho de aquello que, según Adorno, constituye la verdad de lo nuevo; es decir, la falta de intencionalidad . Las manifestaciones del kitsch, en el espacio de las galerías, parecían quedar en suspenso, en busca de sentidos que lograsen sujetarlas. Los cisnes, las chinerías, los floripondios y las figuritas de yeso no eran para nada transparentes a la hora de entrar en el espacio del arte. La apropiación del kitsch, aunque no necesariamente fuese percibida como tal, era crítica en el sentido en que define Adorno el carácter social del arte: “Lo que es social en el arte es su movimiento intrínseco contra la sociedad, no sus declaraciones manifiestas…Hasta el punto de que si una función social puede atribuírsele al arte es precisamente su inutilidad” (1970, 336)

Written by ernesto

junio 25, 2008 at 9:40 pm

¿Formado (en) por la Revolución?

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Este domingo, el pintor Humberto Castro me llamó por teléfono para avisarme que colgaron en youtube algunos videos sobre su trabajo. Uno de ellos fue realizado en Cuba en 1988 por un documentalista brasileño. En las tomas iniciales aparecen Humberto Castro, Arturo Cuenca y Rubén Torres Llorca. Los tres dicen ser artistas formados por la Revolución. La frase en boca de Humberto Castro es ligeramente diferente. Según me contó, él no quiso repetir aquello de hacer sido formado por la Revolución. En su lugar solicitó que le permitieran un “formado en la Revolución”, es decir, “durante” la Revolución, que no es lo mismo ni se escribe igual. Lo primero tiene el aire de una deuda que se contrajo, un peculiar aprendizaje o una marca de fábrica. Lo segundo es más bien una circunstancia ineludible.
De buenas a primeras me sorprendo tratando de contestar la pregunta de si yo mismo fui formado “en” o “por” la Revolución Cubana. Al final creo que coincidiría con Humberto Castro, aun cuando discrepe con él en muchísimas otras cosas (a veces hemos discutido casi hasta el amanecer -cervezas por medio- sin que la terquedad mutua quiebre en modo alguno la amistad).
No voy a hablar del presente, con el cual no estoy muy familiarizado. Me parece que la educación en Cuba se ha deteriorado muchísimo. En 1996, tuve la oportunidad de impartir clases de historia del arte en la escuela de Bellas Artes de San Alejandro, de donde me había graduado diez años antes. Lamentablemente, la biblioteca apenas parecía haber crecido en una década, los libros que quedaban estaban más dañados y saqueados que cuando yo estudiaba allí (los alumnos tienen el hábito de robarse las ilustraciones) y las diapositivas para mi clase estaban, en su gran mayoría, enrojecidas, cuando no resultaban virtualmente inservibles. Mis alumnos tampoco podían darse el lujo de comprar libros, que ahora se vendían en dólares. Además, la mayoría de los magníficos profesores con los que llegó a contar San Alejandro se habían marchado. Evidentemente eran otros tiempos.

Written by ernesto

junio 24, 2008 at 8:19 am

Publicado en arte cubano, Cuba

¿Formado en la Revolución?

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Quise incluir aquí el video al que hice referencia en un inicio. El documental permite ver cuán distantes estamos hoy de las inquietudes estéticas y conceptuales que expresan estos tres artistas y que eran las que, en sentido general, se discutían por aquellas fechas.
El documental tiene dos partes.

Written by ernesto

junio 24, 2008 at 8:10 am

Publicado en arte cubano, Cuba